Die 25 besten Filme des Jahres 2016, die man gesehen haben muss

Das Jahr 2016 ist fast vorbei. Dem Himmel sei Dank. Kaum 12 Monate lang werden die Leute nostalgisch sein, es war immer noch ein Jahr, das unsere Kultur geprägt hat. Von Politik bis Sport und Technik bis Theater wurden viele Meilensteine ​​oder historische Bedeutung erreicht. Und auf dem Weg dorthin gab es auch einige bemerkenswerte Filme. So viele, dass es leicht ist, die besseren Edelsteine ​​durch die Ritzen gleiten zu lassen. Aus diesem Grund sammeln wir hier bei Den of Geek zu Ihrem Lesevergnügen die 25 besten Filme des Jahres 2016.

Unsere Kritiker David Crow und Don Kaye haben ihre schon geschrieben oben 10 Listen , aber hier ist die breitere Ansicht. Weniger über Vorlieben und Rangfolge, unten ist eine Feier für einige der besten Kinos, die es zu bieten hatte. Alphabetisch aufgelistet, repräsentieren sie die bessere Seite des vergangenen Jahres.

13. (2016) unter der Regie von Ava DuVernay

13.

Nach dem Anbrennen Selma , hatte Ava DuVernay freie Hand, fast jede gewünschte Erzählung zu wählen (sie wurde sogar ein Superheldenfilm für ihre Probleme angeboten). Sie hat sich jedoch dafür entschieden, stattdessen heimlich diese Netflix-Dokumentation zu drehen, und wir sind dafür reicher. 13. ist ein kraftvoller Dokumentarfilm, der überzeugend eine gerade Linie vom Ende der rechtlichen Segregation in den 1960er Jahren über den Krieg gegen Drogen in den 1980er Jahren bis hin zur heutigen Masseninhaftierung zieht, die durch den Boom privater Gefängnisse noch weiter angeheizt wird. (Der Film deutet auch darauf hin, dass dies auf ein „Schlupfloch“ im 13. Zusatzartikel der US-Verfassung zurückzuführen ist, aber obwohl dies die Grundlage des Titels ist, ist dies nicht das stärkste Argument des Films).



13. ist ein packender und wütender Dokumentarfilm, der die Linien und Ressentiments des amerikanischen Lebens anspricht, bei denen so viele vor November 2016 ein Auge zugedrückt haben, und das, während er Newt Gingrich, Grover Norquist und anderen zulässt auf das Recht, ihren Standpunkt zu vertreten (oft gegen die breitere Botschaft des Films). Aber je mehr Norquist- oder private Gefängnislobbyisten heulen, desto mächtiger wird der Dokumentarfilm.

Amy Adams in der Ankunft

Ankunft

Den Trend der gnädigerweise intelligenten Science-Fiction fortsetzend, der in den letzten Jahren aufgetaucht ist, Ankunft ist eine Feier des Intellektualismus und der klugen Leute, deren Beiträge keine Verachtung sein sollten. Es ist auch ein knorriger Denker, der Geduld, Aufmerksamkeit und Zeit erfordert, die sich alle mit einem umwerfenden Finale auszahlen, das Millionen von Kinobesuchern dazu zwang, den Begriff „linguistische Relativität“ zu lernen.

Denis Villeneuves Ankunft ist eine exquisit gefertigte Puzzlebox, die die Idee des ersten Kontakts mit der Art von Gewicht und Größe behandelt, an der die meisten Hollywood-Science-Fiction-Bemühungen mit maximaler Dummheit vorbeigehen. Infolgedessen sind Dr. Louise Banks von Amy Adams, eine Professorin für Linguistik, und Jeremy Renners Ian Donnelly, ein Mathematiker und Physiker, nicht hier, um die Fackel an den „durchschnittlichen Joe“-Helden in einem Frauenprügel weiterzugeben. Stattdessen stellen sie unser Verständnis von Kommunikation in Frage, indem sie versuchen, sich sowohl intellektuell als auch emotional mit unbekannten Außerirdischen zu verbinden. Einer der schönsten und rätselhaftesten Filme des Jahres, alles über Ankunft , von seiner hypnotischen Partitur bis hin zu seinem umständlichen Drehbuch und Schnitt, findet einen Weg, sich in deinen Geist zu schleichen und verweilt wie die ersten Töne einer neuen universellen Sprache.

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Team Captain America in Captain America: Bürgerkrieg

Captain America: Bürgerkrieg

Marvel erreichte mit dem dritten eigenständigen Cap-Film einen neuen Höhepunkt, der wohl eher wie Die Avengers 3 war aber einer der stärksten Filme des Studios bis heute. Was machte Bürgerkrieg Arbeit – im Gegensatz zu Batman gegen Superman – war, dass Sie viele dieser Charaktere seit mehreren Jahren beobachten, wie sie sich gegenseitig unterstützen, und wenn sie schließlich aufeinanderprallen, tut es wirklich weh, dies zu sehen. Aber gleichzeitig ist es so ein Gonzo-Comic-Moment, dass die große Kampfszene einen schwindelig macht.

Ein großes Lob an die Russo Brothers und die Autoren Christopher Marcus und Stephen McFeely für die Regie und das Schreiben eines elegant strukturierten Films, der Black Panther (ein herausragender Chadwick Boseman) und Spider-Man (ein charmanter Tom Holland) erfolgreich in das Marvel Cinematic Universe einführt. Was den Rest der Besetzung betrifft, so ist Chris Evans jetzt fast unzertrennlich von Steve Rogers, während Robert Downey Jr. als Tony Stark seine engagierteste Leistung seit einiger Zeit abgibt. Marvel macht es wieder.

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Kapitän Fantastisch (2016)

Kapitän Fantastic

Ein schöner Tagtraum für Hippies im Herzen oder ein Albtraum für diese furchtbaren extremistischen Eltern, die zu viel von der linksextremen Koolaide getrunken haben? Es ist eine offene Frage, welche Art von Familie im Mittelpunkt steht Kapitän Fantastic , aber so oder so ist dies ein herzlicher und letztendlich warmer Film über eine der seltsamsten Filmfamilien der letzten Zeit. Geleitet von einer Performance, die zu gleichen Teilen aus kommunistischem Charisma und überlebenswichtigem Anspruch besteht, Kapitän Fantastic folgt einem wunderbaren Viggo Mortensen als Ben Cash.

Nachdem er sich entschieden hat, sein halbes Dutzend Kinder als „Philosophenkönige“ im Wald zu erziehen – wo sie mehrere Sprachen lernen, die Konzepte der Menschenrechte früh beherrschen und endlich in der Lage sein müssen, ein Reh mit nichts als einem Bowiemesser—Ben ist ein Vater einer fragwürdigen Erziehung. Er liebt seine Kinder eindeutig, aber die Verachtung seines Schwiegervaters für die unorthodoxen Methoden, die zum Tod seiner Enkel führen könnten, ist nicht unbegründet. Vor allem, wenn er versucht, mit seinen Kindern die ungewollte christliche Beerdigung ihrer Mutter zu stören.

Kapitän Fantastic ist ein seltsamer, amüsanter und fragend bestätigender Film, der Lust macht, mitzumachen und den Noam Chomsky Day zu feiern. (Warum sich mit einem Feiertag begnügen, an dem man „einen magischen Elfen“ verehrt, wenn man Pfeil und Bogen als Anerkennung für einen echten Menschenfreund teilen kann?) Es ist unmöglich, zu widerstehen.

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Der Rand der Siebzehn

Der Rand der Siebzehn

In einem Jahr, in dem großartige Geschichten über das Aufwachsen in der High School (oder in der charmanten Exzentrik) Kapitän Fantastic ’s Fall), der, der mir am meisten haften geblieben ist Der Rand der Siebzehn , das Regiedebüt der Autorin Kelly Fremon Craig. Dies ist eine zeitlose und messerscharfe Darstellung des peinlichsten Moments im Leben eines jeden.

Der wahre Witz von Siebzehn kommt in der Kraft der Kontraste, insbesondere mit Hailee Steinfelds hoffnungslos selbstbezogener und introvertierter Nadine, die selbstvergessen ihren eigenen Kampf erzählt, neben einem älteren Bruder (Blake Jenner) platziert zu werden, der mit der Golden-Boy-Genetik geboren wurde. Und sobald dieses Geschwisterchen anfängt, sich mit Nadines einziger Freundin zu treffen, wird die Spaltung und der gutmütige Zynismus nuklear. Es mag von außen wie ein John Hughes-Film aussehen, aber dieses Bild hat die schärfste Teenie-Seele auf dieser Seite Heidekraut , das abgerundet wird durch eine perfekte Nutzung von Woody Harrelsons sardonischen Talenten als Lehrer, der seinen Schülern fragend sagen darf, was er wirklich von ihnen hält.

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Denzel Washington und Viola Davis in Zäunen (2016)

Zäune

Nachdem Denzel Washington jahrzehntelang vor der Kamera verbracht hat, tritt sie endlich für Zäune , seine erste abendfüllende Regiearbeit seit 2007.* Das Bild ist eine Adaption des gleichnamigen Theaterstücks von August Rush, in dem Washington und Viola Davis am Broadway mitspielten, und es hat auch auf der Kinoleinwand eine unglaubliche Wirkung. Obwohl die Geschichte definitiv bühnengebunden ist, da die Geschichte das Arbeiterhaus von Troy und Rose Maxon nie verlässt, überwindet die Intensität ihres zerbröckelnden Lebens alle größeren Mängel des Formats.

Washington bietet eine leidenschaftliche, aus vollem Halse auftretende Wendung als stolzer Mann, dessen Chancen ihm aufgrund seiner Hautfarbe bei der Geburt genommen wurden. Obwohl Troy Maxon mit den Fähigkeiten eines Sportlers geboren wurde, ist er nichts weiter als ein Müllmann, wenn Jackie Robinson es schafft erträglich für afroamerikanische Ballspieler. Trotzdem traut man Troy nicht einmal zu, den Truck zu fahren. Bitter und voller törichter Wut ist diese schlechte Entschuldigung für einen Mann ein tragisches Werk, aber er wird von Davis' Rose überschattet, deren eingesperrte Repression und verborgene Verzweiflung in der starken Sekunde des Films mit der ganzen Wucht eines Hurrikans entfesselt werden Handlung. Aber selbst ihre windige Wut kann nicht einmal die Einrichtung des Hauses ändern, das sie mit Troy teilt, geschweige denn die Welt draußen.

Ein Film mit fehlerhaften Charakteren und zerbrochenen Leben, Zäune versucht, die Mauer zwischen sich und dem Betrachter einzureißen, auch wenn sein Protagonist dazu verdammt ist, seinen eigenen Zaun immer höher zu bauen.

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Bügelsäge Ridge (2016) unter der Regie von Mel Gibson

Bügelsägengrat

Bügelsägengrat ist ein kurioser Film, da er technisch gesehen keinen dritten Akt hat. Oder vielleicht genauer gesagt, es fehlt eine Mitte. Stattdessen feiert Regisseur Mel Gibson ein fulminantes Comeback in dem wahrscheinlich besten ernsthaften Film über den Zweiten Weltkrieg seither Der Soldat James Ryan (und es waren viele). Da sich die erste Hälfte des Films akut altmodisch anfühlt, ähnelt das Bild gelegentlich der Art pastoralen Americana, die Jimmy Stewart in Melodramen der Vorkriegszeit bewohnen würde. Der zweite Akt ist jedoch brutal modern und schafft einen Kontrast, der auf die schlauste Weise schockiert und desorientiert.

Sowohl über die Gewalt des Bildes – die extrem ist – als auch über die Religiosität von Desmond Doss wurde viel gesagt. Dennoch ergänzt jedes Element die Reise für den filmischen Desmond, einen Siebenten-Tags-Adventisten, der von Andrew Garfield mit vollem Ernst gespielt wird. Das Ergebnis ist ein Film mit perfekt dosierten Gegengewichten und aufrichtiger Aufrichtigkeit sowie einer Erfahrung, die mit sich selbst so angenehm ist, wie es Desmond sogar am Mund der Hölle in Okinawa ist.

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Chris Pine und Ben Foster in Hell or High Water (2016)

Hölle oder Hochwasser

Der neunte Spielfilm des schottischen Regisseurs David Mackenzie, geboren nach einem nahezu perfekten Drehbuch von Taylor Sheridan, ist eine fesselnde und meisterhafte Mischung aus Western, Krimi und Sozialdrama, die vor einer sterbenden amerikanischen Landschaft spielt, in der es oft wirklich alles ist Mensch für sich. Ehemals vertrauenswürdige Institutionen werden jetzt als Feinde angesehen, und zwei Brüder (ein aufschlussreicher Chris Pine und ein intensiver Ben Foster) inszenieren eine Reihe von Banküberfällen, um genug Geld zu sammeln, um dieselbe Bank zurückzuzahlen, die den Schein auf ihrer Verspätung hält Mutters Ranch.

Jeff Bridges ist der ergraute Texas Ranger, der darauf aus ist, sie aufzuhalten, aber selbst er kann nicht unbedingt mit der Logik dessen argumentieren, was die Geschwister tun – und es ist die entschieden graue Moral der Geschichte, die sie über die bereits hervorragenden Genre-Insignien hinaus hebt ein scharfer Kommentar zum Tod des amerikanischen Traums dabei.

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Hunt for Wilderpeople (2016) unter der Regie von Taika Waititi

Jagd auf Wilderer

Äußerlich Taika Waititi’s Jagd auf Wilderer könnte mit einer anderen Coming-of-Age-Geschichte verwechselt werden, aber es ist viel verführerischer als das. Nicht weniger als eine libertäre Volksmärchen über die Tugenden, niemals sterben zu müssen, bleibt diese knochentrockene Komödie eine der schönsten Überraschungen des Jahres 2016. Mit Sam Neill als dem ultimativen Geizhals und Julian Dennison als dem heiseren Sorgenkind, für das Neill nie verantwortlich sein wollte, ist dies eine klassische seltsame Paarpaarung ... außer, dass sie im neuseeländischen Busch mit dem Gesetz auf der Spur sind.

Wilde Menschen basiert auf einer beliebten Kiwi-Geschichte von Barry Crump, ist jedoch universell, da sie eine Art transzendentalistische Freiheit und einen beißend satirischen Seitenblick auf Autorität umfasst, der für fast jeden Zuschauer inspirierend sein kann. Und vielleicht am wichtigsten ist, dass Waititi Neill seine beste Rolle seit Jahren gibt und den Schauspieler in eine Figur verschwinden lässt, deren stachelige Zurückhaltung das Lachen, das er entlockt, umso mehr verdient.

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Ich, Daniel Blake (2016)

Ich, Daniel Blake

Diese leise brillante Charakterstudie ist der einzige Film, den ich dieses Jahr gesehen habe und der mich vor Wut und Frustration auf die Leinwand schreien ließ. Dave Johns ist in der Titelrolle makellos. Blake ist ein Zimmermann in Newcastle, der sich von einem Herzinfarkt erholt, aber nicht die Invaliditätszahlungen erhalten kann, die er braucht, um sich zu erholen, bis er wieder arbeitsfähig ist. Dieses erschreckende Paradox ist auf bürokratische Gleichgültigkeit und Faulheit zurückzuführen. Daniel freundet sich mit Katie an, einer alleinerziehenden Mutter von zwei Kindern, die ebenfalls nicht über die Runden kommt und auf herzzerreißende Methoden zurückgreifen muss, um ihre Kinder zu ernähren.

Ich, Daniel Blake spielt in Großbritannien, aber die Geschichte von arbeitenden Menschen, die langsam von einem System zu Tode gemahlen werden, das sie nicht verstehen und das sie nicht sonderlich interessiert, ist universell. Kleine Gesten der Menschlichkeit – wie die süße, aufrichtige Adoption von Katie und ihren Kindern durch den Witwer Daniel als Ersatzfamilie – sind fast alles, was uns noch geblieben ist, sagt der Film, aber selbst diese sind in einer zunehmend gefühllosen und feindseligen Gesellschaft schwerer zu finden. Ein verheerender Film.

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Natalie Portman in Jackie (2016)

Jackie

Die Antithese eines typischen biografischen Films, Jackie ist eine beeindruckende Leistung in Sachen Storytelling und Performance. Hier ist ein Bild, das eines der tiefgreifendsten (und meist dramatisierten) Ereignisse in der US-Geschichte wieder aufgreift, die Platte jedoch irgendwie in eine Kulisse für eine intime und praktisch experimentelle Charakterstudie verwandelt. Gefilmt ohne Konventionen von Regisseur Pablo Larraín, Jackie haucht einer Tragödie, die sich vor mehr als 50 Jahren ereignete, Unmittelbarkeit und Trauer ein und bietet Natalie Portman die bisher beste Präsentation ihres beachtlichen Talents.

Indem er ein strukturiertes Verständnis sowohl des Traumas als auch der Widersprüche der echten Jacqueline Kennedy annimmt, entdeckt Portman eine oft vergessene stählerne Wildheit, die die Anmut der heiligsten First Lady untermauerte. Es ist eine Tour de Force, die tagelang verfolgt und einem Film eine lebendige Blässe verleiht, der sich mit einer universellen Emotion befasst – Trauer um den Verlust eines geliebten Menschen – und gleichzeitig eine erforscht, die fast ausschließlich den Weltführern und den Frauen vorbehalten ist, die es müssen stehen oft in ihrem Schatten.

Wo beginnt echte Trauer und wann endet der Zwang zur Vermächtnisbildung? In diesen düsteren Tagen zwischen einer schicksalhaften Ankunft in Dallas und der Beerdigung eines Präsidenten in Arlington wurden die beiden zu einer Unschärfe für das geistige Gefüge einer trauernden Witwe und Mutter sowie des ganzen Landes. Danach wurde der Traum von einem verschwundenen Camelot ein halbes Jahrhundert später zementiert, und selbst während die Mythenbildung dekonstruiert wurde, Jackie macht das verlorene Paradies noch viel verheerender und aufschlussreicher… besonders für die Frau, die es am meisten ertragen hat.

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Emma Stone und Ryan Gosling in La La Land (2016)

La La Land

Viele werden in den kommenden Monaten darauf hinweisen La La Land als bester Film des Jahres 2016. Und das aus gutem Grund. Dies ist unverkennbar ein Meisterwerk für den Autor und Regisseur Damien Chazelle, der zwei Jahre nach dem Suhlen in der Wut und dem Ressentiment, die der Kreativität innewohnen, nun seinen euphorischen Kontrapunkt findet. Dies ist definitiv ein Musical mit Blick auf die Vergangenheit, bei dem breite CinemaScope-Single-Takes aufgenommen werden, die Fred Astaire und Ginger Rogers in einem anderen Leben vielleicht gefallen haben. Die Gesamtwirkung des Bildes ist jedoch einzigartig modern.

Chazelle zeigt nicht nur eine enthusiastische Nostalgie, sondern fängt die Schönheit und Wahrhaftigkeit reiner melodischer Fantasie wieder ein und greift den Eskapismus an, der während der Weltwirtschaftskrise und des Zweiten Weltkriegs zu einer nationalen Katharsis wurde. Darüber hinaus und mit ungemein charmanten Darbietungen einer sprudelnden Emma Stone und eines hungrigen Ryan Gosling verwendet der Filmemacher diesen Klassizismus, um in Grautönen und blassem Blau zu malen, die MGMs Technicolor-Tagträume nie gesehen hätten. Durch seine wehmütigen Jazz-Untertöne, La La Land ist ein qualvoller Kampf zwischen Privatem und Beruflichem, Romantik und Realität, der von Natur aus versuchen würde, die Leute davon abzuhalten, in Lieder auszubrechen.

Die Tatsache, dass sie es immer noch tun und dabei jedes Publikum von seiner Stange und in einen Sternenwalzer entlang der Milchstraße mitreißen, macht La La Land eine transzendente Erfahrung und die lohnendste der Saison. Also ja, das ist mit Abstand der beste Film des Jahres 2016.

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Liebe & Freundschaft (2016)

Liebe & Freundschaft

Bei den meisten Jane-Austen-Verfilmungen wird eine gewisse Etikette oder ein gewisses Maß an Anstand erwartet: Sie sind oft sehr vernünftig, vielleicht sogar mit einer Prise Stolz, aber vor allem schätzen sie das Drama in ihrem Inneren Melodrama . Zum Glück hat Whit Stillman absolut nichts davon. In der wahrscheinlich besten Austen-Adaption, Liebe & Freundschaft ist von Anfang bis Ende pure luftige Schärfe und mit so vielen verbalen Pointen, dass Sie auf einer Bahre ausgeführt werden müssen, wenn Sie versuchen, sie alle beim ersten Betrachten zu erfassen.

In der besten Leistung ihrer Karriere ist Kate Beckinsale die tadellos elegante Lady Susan Vernon, eine Heldin eines historischen Stücks, die von den kleinlichen Trivialitäten der Moral oder Ethik absolut unberührt bleibt. Während die meisten mütterlichen Charaktere in Austen-Geschichten ihren Töchtern einen Ehemann suchen, wird Lady Susan bestenfalls ihr erwachsenes Kind Frederica (Morfydd Clark) als Köder für ihre eigenen Designs verwenden. Tatsächlich sucht Susan zwei Arten von potenziellen Ehemännern: diejenigen, die jung genug sind, um regierbar zu sein, oder diejenigen, die alt genug sind, um zu sterben. Und viele werden am Ende ihrer skrupellos lächelnden Nettigkeiten sterben.

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Manchester am Meer (2016)

Manchester am Meer

Als Fortsetzung seines oft großartigen, aber chaotischen Margarete , Kenneth Lonergans neues Drama ist viel fokussierter und verheerender. Casey Affleck liefert die beste Leistung seiner Karriere als Lee ab, einen zurückgezogenen Hausmeister, dessen plötzlicher Tod Lee als Vormund seines jugendlichen Neffen zurücklässt. Aber um sich um ihn zu kümmern, muss Lee in die Stadt zurückkehren, in der er früher gelebt hat, und sich den unerträglichen Erinnerungen aus seinem eigenen zerstörten Leben stellen.

Mit seiner belebten, winterlichen Neuengland-Kulisse und den ehrlichen Arbeitern, die Spieler unterstützen, Manchester am Meer zeichnet ein täuschend einfaches und ernstes Porträt von alltäglichen Menschen, die nur versuchen, durch das Leben zu kommen, und den unerwarteten Umständen, die es auf einen wirft. Die gesamte Besetzung ist durchweg exzellent und die Höhepunktszene zwischen Affleck und Michelle Williams als seiner Ex-Frau ist so brennend, dass es schwer ist, direkt auf die Leinwand zu schauen.

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Disney

Moana

Walt Disney Animation Studios zeigt weiterhin eine Sensibilität für Risikobereitschaft, die den anderen großen Hit-Fabriken in Hollywood zunehmend fehlt. Im Gegensatz zu den oft leblosen Live-Action-Remakes ihrer fernen Klassiker sieht WDAS einen Qualitätsfilm nach dem anderen in einer zweiten Renaissance. Also eintreten Moana , ein Prinzessinnenfilm ohne echte Prinzessin oder Liebesinteresse.

Tatsächlich, Moana folgt der Reise der Selbstfindung für die Tochter eines Häuptlings, die eines Tages ihre Insel regieren wird, ohne dass sich ihre männlichen Kollegen beschweren. Und sie wird von der 15-jährigen Auli’I Cravalho mit gewinnendem Charme geäußert. Moana ist die bisher proaktivste Disney-Heldin, und sie erreicht ihre Ziele, während sie mit Dwayne Johnsons Maui zusammenstößt, einem Halbgott, der mehr Charisma hat als jeder andere Disney-Charakter neben Robin Williams' Genie. Zusammen werden sie sich streiten, sich mit einem empfindungsfähigen Meer verbünden und am besten Lieder singen, die entweder teilweise oder vollständig von Lin-Manuel Miranda geschrieben wurden. Vertrauen Sie uns, nach einer Besichtigung werden Sie tagelang „Du bist willkommen“ im Kopf haben. Noch wundersamer ist die Tatsache, dass es Ihnen auch nichts ausmacht.

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Moonlight (2016) unter der Regie von Barry Jenkins

Mondlicht

Ein Leben erzählt in drei Akten, Mondlicht nähert sich dem Poetischen mit der von ihm erzeugten Stimmung und den tiefen emotionalen Höhepunkten, die es erreicht. Geschrieben und inszeniert von Barry Jenkins, folgt der Film einem Afroamerikaner namens Chiron durch seine Kindheit, seine Teenagerjahre und seine Männlichkeit, wobei in jeder Phase ein anderer Schauspieler ihn spielt. Chiron beschäftigt sich mit vielen der Probleme, die wir in Innenstädten gesehen haben – eine grassierende Drogenkultur, willkürliche Gewalt, ein vaterloses Zuhause und eine Crack-süchtige Mutter – aber mit der zusätzlichen Dimension, dass er schwul ist und sich nie ganz wohl fühlen wird, nein egal wo er ist oder was er tut.

Die Themen quälende Einsamkeit, Angst und unerwiderte Liebe berührend, Mondlicht bietet grandiose Darbietungen aller drei Chirons (Alex Hibbert, Ashton Sanders und Trevante Rhodes) sowie eine herausragende Wendung von Mahershala Ali als Juan, dem Drogendealer, der den kleinen Chiron unter seine Fittiche nimmt und kurzzeitig als Vaterfigur für ihn fungiert. Mondlicht tut, was großartige Filme tun sollten; es zeigt uns, wie die Menschen leben und hilft uns, sie besser zu verstehen.

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Russell Crowe und Ryan Gosling in Die netten Jungs (2016)

Die netten Jungs

Manchmal wünschen wir uns zu Weihnachten nur einen schnellen Schlag ins Gesicht und eine Runde Shots an der Bar. Glücklicherweise ist Regisseur Shane Black seiner Mission treu geblieben, genau diese Art von Weihnachtsmann-Geschichtenerzähler zu sein und uns Weihnachtsjuwelen wie geschrieben Tödliche Waffe , und Regie bei einigen wie Kuss Kuss bang bang. Die netten Jungs folgt dieser Tradition, indem es eine Rückbesinnung auf Blacks eigene Marke von Buddy-Comedy bietet, wenn auch mit einem glitzernderen 70er-Jahre-Zwinkern.

Black kehrte im Wesentlichen in die berauschenden glorreichen Tage seiner Jugend zurück und vereinte Russell Crowe und Ryan Gosling als zwei private Schwänze mit niedrigen Mieten, die beide als der böse Polizist gelten würden, da der eine ein gewalttätiger Unzufriedener ist und der andere ein Schwätzer mit einem Alkoholproblem. Nachdem das Paar 10 Minuten nach Beginn des Films verbunden war – Crowe wurde angeheuert, um Gosling den Arm zu brechen, was er tut, aber Sie wissen, höflich – kommen die Lacher in einem Bild weiter, das so selbstbewusst ist, dass es an Arroganz grenzt. Der größte Trick von allen ist jedoch, dass dieses Duo wirklich ein Triumvirat ist, nachdem Neuzugang Angourie Rice dem Team beigetreten ist. Sie spielt vielleicht Goslings frühreife Tochter, aber sie ist eine bessere Detektivin als die beiden alten Männer und kann in Bezug auf dieses Schrauber-Ratatat mit den Besten mithalten.

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Jake Gyllenhaal in Nächtliche Tiere (2016)

Nachtaktive Tiere

So etwas wie eine filmische Matroschka-Puppe, Nachtaktive Tiere schichtet seine Geschichte-in-einer-Geschichte zu erhabenen Ergebnissen. Auf der einen Ebene ist es eine Entschuldigung für Autor und Regisseur Tom Ford, Amy Adams mit dekadenter Couture zu verzaubern – prächtige Kragen für ihren düsteren Beverly Hills-Käfig – und auf der anderen ist es so hartgesotten, wie Sie es wahrscheinlich finden werden, mit einem Der schwache Jake Gyllenhaal sieht, wie seine Männlichkeit dezimiert wird, nachdem seine Familie mitten in der Nacht von einigen guten alten Jungs aus West Texas von der Straße gejagt wurde.

Die beiden Erzählungen sind natürlich durch eine dritte verbunden, denn Gyllenhaals Edward ist eigentlich ein Autor, der endlich seinen ersten Roman geschrieben hat, einen Triumph der Verzweiflung, den er seiner Ex-Frau Amy Adams’ Susan gewidmet hat. Obwohl Susan in den zwei Jahrzehnten seit ihrer Scheidung nie ein Wort gesprochen hat, tötet Susan die Zeit in ihrer privilegierten, aber leeren zweiten Ehe, indem sie Edwards abschreckenden Thriller liest, der zunehmend ein Leben widerspiegelt, das sie und Edward in einer anderen Realität hätten teilen können. Der Film ist ein sprödes Spiegelbild der harten Entscheidungen, die wir treffen, und der Kunst, die daraus hervorgeht (sowie des wahnsinnigen Bedauerns). Es ist auch ein Schaufenster für einige knorrige Nebencharaktere von Michael Shannon und Aaron Taylor-Johnson.

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Mark Wahlberg in Patriots Day (2016)

Tag der Patrioten

Ich bin ehrlich: Ich war bei Peter Berg Tag der Patrioten Ich dachte, ich würde mir einen übermäßig nationalistischen, selbstgefällig manipulativen Mist ansehen. Stattdessen bekam ich einen spannenden, packenden und erschütternden Thriller über Strafverfolgungsbehörden, die sich so gut wie möglich mit einem Horror auseinandersetzen, der sowohl allzu vertraut als auch gleichzeitig völlig beispiellos ist. Während wir Polizisten, FBI-Agenten und Stadtbeamte im Panikmodus, einer sich schnell entwickelnden Ermittlung und einem schleichenden Gefühl der Angst mit einer Stadt (und einem Land) umgehen, ermöglicht uns der Film dank herausragende Schauspieler wie John Goodman und Kevin Bacon.

Auch Star Mark Wahlberg ist gut, doch sein fiktiver Polizist wird gegen Ende immer überflüssiger. Das und der reale Mini-Doc am Ende sind relativ kleine Mängel eines ansonsten exzellenten Films, unterstützt von Bergs punktgenauer Regie und Schnitt, einer unheimlichen Filmmusik von Trent Reznor und Atticus Ross und zwei weißen Versatzstücken, die einfach umwerfend.

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Rogue One: Eine Star Wars-Geschichte

Im vergangenen Jahr erweckte Disney Star Wars pflichtbewusst mit einer Kinoveranstaltung zum Leben, die sympathische frische Gesichter mit Denkmälern der Nostalgie der Generationen verband. Aber jetzt, im Jahr 2016, haben sie endlich einen echten Film im Star Wars-Universum gedreht. Mehr als nur eine eigenständige Nebengeschichte, Schurke eins steht für sich allein und bietet ein völlig neues Abenteuer, das sich als Teil des George Lucas Star Wars-Universums anfühlt … aber anders als jeder Film, den George Lucas (oder seine krafterwachenden Bewunderer) jemals versuchen würden.

Obwohl nicht fehlerfrei, Schurke eins durch seinen ersten Akt zu einem beeindruckenden mittleren und geradezu atemberaubenden Finale. Das Bild bringt moralische Mehrdeutigkeit und heimliche Spionage in das, was zuvor Gutes gegen Böses erzählt wurde, und fügt diesem Universum der hellen und dunklen Seiten einige willkommene graue Schatten hinzu, und es enthält auch eine weiße Knöchel-Sequenz am Ende, die genauso viel ist Der wilde Haufen wie Eine neue Hoffnung . Es erlöst auch Darth Vader endlich nach den berüchtigten Prequel-Filmen. Allein dafür verdient es einen Platz auf dieser Liste.

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Liam Neeson in Stille (2016)

Stille

Martin Scorsese hat 30 Jahre damit verbracht, Shūsaku Endōs . zu adaptieren Stille zum Bildschirm. Jetzt, wo der Film endlich da ist, ist er offensichtlich eines der persönlichsten und intimsten Bilder der Karriere des Regisseurs (wenn auch nicht unbedingt sein bestes). Es hat etwas Faszinierendes an der langen, geduldig meditativen Qualität zu Stille . Im Gegensatz zu dem kinetischen Filmemachen, für das er am besten bekannt ist, wie zum Beispiel für die hektische Schädeldepression von Kriminellen ( Goodfellas, Casino ) oder ihre noch hinterhältigeren Gegenstücke ( Der Wolf von der Wall Street ), Stille ist ein überaus ruhiger und behutsamer Film, der seinem Titel alle Ehre macht und gleichzeitig große Fragen nach dem Ewigen stellt.

Die Bemühungen eines Künstlers näher am Ende als am Anfang darstellen und sich fragen, was auf der anderen Seite ist, Stille ist ein zutiefst religiöser Film über den Glauben, der von einem Mann präsentiert wird, der aufrichtig mit seinen eigenen Zweifeln kämpft. Dadurch ist das Bild interpretierbar. Ist es ein schrecklicher Bericht über die Verfolgung von Christen im Japan des 17. Jahrhunderts und die katholischen Priester, die die örtlichen Behörden gezwungen haben, entweder für ihre Religion zu sterben oder sie aufzugeben, um das Leben ihrer Herde zu retten? Aber es könnte auch eine Art Schadenfreude-Katharsis sein, die es den Zuschauern ermöglicht, Zeugnis davon abzulegen, dass scheinheilige Christen ihre bekommen.

In jedem Fall wird der Film tagelang im Gedächtnis bleiben und unerwartete Rückblenden beschwören, in denen japanische Konvertiten hoffnungslos hinter Stahlkäfigen jammern und auf ihre Qualen warten, oder in Szenen, in denen Andrew Garfields Priester aufgefordert wird, seine gesamte christliche und persönliche Identität zu opfern um tatsächlich christusähnliche Tugenden aufrechtzuerhalten. Es ist ein herausfordernder Film, aber sehr lohnend für diejenigen, die ihn zu Scorseses Bedingungen treffen möchten.

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Sing Street (2016) Besetzung

Singstraße

Manche Filme haben, mangels eines besseren Begriffs, einfach eine Seele. Singstraße ist ein solches Bild, ein wunderbares Erlebnis, das mit einer albernen und süß-ernsten Freude schlägt. John Carney ist eindeutig ein Fall von Kindheitsnostalgie für die 1980er Jahre – und mehr als ein Hauch von Wunscherfüllung für Straßen, die in dieser Zeit nicht befahren wurden – John Carney besucht seine Jugend mit Augen voller Tagträume. Und die Wirkung ist ansteckend bis zur zugegebenermaßen zu düsteren halben Auflösung.

Alles bis zu diesem Punkt ist jedoch ein temperamentvolles Coming-of-Age-Garn über eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort, die immer noch wissentlich universell sind. Conor (Ferdia Walsh-Peelo) ist ein irisches Kind, das während einer der vielen schwierigen Zeiten der Stadt in Dublin lebt. Er besucht eine düstere High School und findet immer noch den Funken des Lebens, als er beschließt, eine Band zu gründen, um das coolste Mädchen der Stadt, Raphina (Lucy Boynton), zu beeindrucken. Natürlich kann er kein Instrument spielen oder sonst etwas über Musik, aber das sind nur Details.

Der Film erfindet das Rad nicht neu, aber er hat die Wärme, die Carney in die meisten seiner Filme einbringt, und eine Wohlfühl-Sentimentalität, die in einem Jahr, das alles andere als fröhlich war, erfrischend sein kann.

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Ehemaliger NY-Abgeordneter Anthony Weiner

Wiener Würstchen

Man weiß nicht, ob man lachen, weinen oder einfach nur den Kopf schütteln soll, wenn das Leben und die Karriere von Rep. Anthony Weiner zusammenbrechen … nur damit er es wieder aufnimmt und dann wieder zerstört. Er ist einerseits eine klassisch tragische Figur, andererseits will man ihm wegen seiner grassierenden Dummheit und Arroganz angesichts seines eigenen Versagens eine Ohrfeige geben. Als der Skandal um seine Sexting-Eskapaden jedoch zunimmt, schreibt sich die eigentliche Tragödie in das Gesicht seiner Frau Huma Abedin, deren Gesichtszüge sich im Laufe des Films zu einer Maske des Schmerzes verhärten.

Wiener Würstchen geht es jedoch um mehr als diese traurige Entschuldigung für einen Mann; Es geht um Medien und Politik und wie Menschen manchmal tatsächlich eine zweite Chance bekommen – es sei denn, sie vermasseln diese auch auf spektakuläre Weise. Und mit der jüngsten indirekten Beteiligung des Themas an dem Nicht-Skandal, der Hillary Clintons Präsidentschaftswahlkampf wohl beschädigt hat, wird es für uns alle schmerzhaft, Weiner zuzusehen.

Anya Taylor-Joy in Die Hexe (2016)

Die Hexe

Beim Betrachten Die Hexe In einem abgedunkelten Theater hat man das unausweichliche Gefühl, auf etwas Verbotenes und wirklich Sündiges zu starren. Daher ist es ein Meisterwerk des Horrors und der Schnellkochtopfspannung. Ohne eine Spur von Ironie taucht Robert Eggers zum ersten Mal als Drehbuchautor und Regisseur seinen Film in den Aberglauben und die Folklore der Calvinisten ein und beschwört einen Fiebertraum herauf, der die unterdrücktesten puritanischen Kinder quälen würde.

Durch die Zusammenfügung aus tatsächlichen Berichten über übernatürliche Aktivitäten aus dem 17. Jahrhundert entsteht ein nagendes Gefühl von Authentizität Die Hexe , ein Film, der keine Ausreden oder Leichtfertigkeit für seine Zirkel nackter Crones macht, die sich im Wald tummeln, oder in der Idee, dass der Teufel unter uns wandeln könnte, während er im Fleisch von Tieren verkleidet ist. Dennoch ist der Film völlig offen für eine moderne Lesart, da Lügen, Betrug, übertriebene Frömmigkeit und Frauenfeindlichkeit einer stolzen Familie das Leben ihrer ältesten Tochter Thomasin (einer Breakout Anya Taylor-Joy) zerstören. Dies ist ein wunderbar bizarrer Film, in dem die Schauspieler in völliger Flüssigkeit eine Sprache sprechen, die aus der King-James-Bibel zu stammen scheint. Dennoch weißt du tief im Inneren, dass keiner dieser Charaktere in den Himmel kommt.

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Zootopie (2016)

Zootopia

Wie bereits erwähnt, laufen die Walt Disney Animation Studios auf Hochtouren, und ihr bester Film des Jahres war nicht der mit Musiknummern und einem prinzessinähnlichen Charakter, der von tierischen Kumpanen begleitet wird ... es war der über eine großstädtische Utopie für Tiere, die sich herausstellte eher eine Dystopie sein. Tatsächlich, Zootopia ist eine überraschend schlaue und intelligente Geschichte, die süße und kuschelige Tiere verwendet, die mit Disney-Charme sprechen, und sie dann für den Rest des Jahres 2016 in ein noirisches Mysterium mit unangenehm vorausschauenden politischen Untertönen verwandelt.

Hier ist ein Film, in dem der verhüllte Bösewicht politische Rhetorik und Angstmacherei verwendet, um eine Minderheit zum Sündenbock zu machen, während alle mehr Macht für sich sammeln. Anspruchsvolles Zeug für einen Kinderfilm – und dazu noch ein absurd unterhaltsamer –, dessen humane Botschaft den meisten Eltern offenbar sogar über den Kopf ging, da sie in den folgenden Monaten prompt ignoriert wurde.

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*In einer früheren Version dieses Artikels wurde fälschlicherweise angegeben, dass Fences die erste Regiearbeit von Denzel Washington war.