Die besten Filmmusicals des 21. Jahrhunderts

Mit Mary Poppins kehrt zurück wird in dieser Weihnachtszeit die Kinokassen dominieren, und Anna und die Apokalypse Indie-Glaubwürdigkeit unter Theaterfreaks und Gorehounds auf der ganzen Welt verdienen, ist es fair zu sagen, dass das Musical zurück und gesünder ist als seit Jahrzehnten. Wir haben in der Vergangenheit darüber geschrieben, wie die Disney Renaissance die Saat für eine neue Generation von Millennials gesät, um Musicals zu begrüßen, nachdem ihre Eltern sie weitgehend abgelehnt hatten, und der Beweis war noch nie so eindrucksvoll wie in den letzten Jahren.

Während das 21. Jahrhundert damit begann, dass Branchenbeobachter und Kritiker die Nase rissen, dass Broadway-Adaptionen und Jukebox-Musicals wieder ein großes Geschäft machen könnten – und auch große Preisanwärter –, ist es heute alltäglich, eine Handvoll Fantasien mit Originalsongs nicht nur zu sehen werden jedes Jahr veröffentlicht, werden dann aber zu großen Phänomenen der Popkultur. Sogar das Bedürfnis früherer Musicals, Popsongs zu verwenden oder die Verwendung von nicht-diagetischen Sequenzen zu verwischen (bei denen Charaktere zufällig in Songs ohne Logik oder einen Soundtrack dahinter einbrechen können) ist verblasst. Das Genre ist jetzt einfach eine gesunde Alternative für Studios, die ihre Portfolios über Umhänge und Neustarts hinaus diversifizieren möchten.

Aus diesem Grund haben wir eine Liste der besten Filmmusicals des 21. Jahrhunderts zusammengestellt. Im Gegensatz zu unserer Liste für klassische Hollywood-Filmmusicals , wir nehmen Broadway- und Theateradaptionen in diese Liste auf, aber wir werden weiterhin streng animierte Filme oder solche ausschließen, die nur auf diagetischer Musik basieren (d. h. keine Disney-Animationen oder musikalischen Biopics, die sich auf die Bühne konzentrieren, sorry). Außerdem müssen alle Einsendungen großformatige Veröffentlichungen und keine Fernsehfilme oder „Live“-TV-Produktionen sein. Kommen wir nun zum Zehenklopfen!



La La Land

Wahrscheinlich der am meisten gelobte Film auf dieser Liste, würden wir auch argumentieren La La Land ist das beste trotz einige der heftigen Gegenreaktionen seine Popularität erzeugt. Es ist der Film, den die ehemaligen College-Mitbewohner Damien Chazelle und Justin Hurwitz schon immer machen wollten, auch als der jeweilige Autor, Regisseur und Komponist produzierte Guy und Madeline auf einer Parkbank in 2009. La La Land machte das Versprechen des Potenzials dieses Indies wahr und erreichte seine Vision, indem er auf das Hollywood-Musical der alten Schule in der Form von Fred Astaire / Ginger Rogers und Arthur Freed zurückgriff. Die modernen Stars Ryan Gosling und Emma Stone sind sicherlich nicht so poliert wie Astaire-Rogers oder Gene Kelly und Debbie Reynolds, aber diese Unvollkommenheit unterstreicht die Brillanz des Films.

Als eines der ersten großen Filmmusicals des Jahrhunderts mit einem komplett originellen Liederbuch und ohne IP-Unterstützung wie beispielsweise Disney, schwebt das Bild über die sprudelnde Romantik und Chemie zwischen Gosling und Stone, deren Sonnenuntergangsduette die einfache Freude am Sehen neu entfachen Stars einer früheren Generation, die Wange an Wange tanzen. Und doch greifen die Komplexitäten des Lebens, die durch eine Ballade nicht gelöst werden können, dennoch in die Illusion ein. Am Ende treffen Realität und Kunstfertigkeit aufeinander, ergänzen sich aber auch in ihrem gemeinsamen Walzer, was zu einem bittersüßen Ende führt, das den Technicolor-Tagtraum von einst und etwas Erwachseneres und Wahreres als letztes Ende bietet. Es ist eine Feier der Notwendigkeit von Träumen – einschließlich der fantasievollen, die im Film nie besser sind, als wenn sie über eine Klangbühne huschen – auch wenn sie angesichts realer Hindernisse nur so weit springen können. Träume und das Leben, das sie beschönigen, ergeben eine süße Harmonie, eine Binsenweisheit, die nicht besser verwirklicht wird als in Chazelles lebendigen Bildern und Hurwitz’ eindringlicher Musik.

Rote Mühle!

Der, mit dem alles in der Neuzeit begann, Rote Mühle! 's durchscheinende Hingabe an einen Absinth-Binge überraschte Hollywood, als sich diese experimentelle Popmusik-Collage als einer der Überraschungshits des Jahres 2001 herausstellte. Action, ein Kunststück, das Baz Luhrmanns kluger Wahl ermöglichte, die meisten der großartigen Top 40-Liebeslieder der letzten 35 Jahre zu verwenden. Es macht Sie sicherlich mit jedem Künstler vertraut, von Sting and the Police bis hin zu Madonna und den Beatles, aber die Brillanz dieses Meisterwerks geht über den Jukebox-Nervenkitzel hinaus.

Rote Mühle! profitiert enorm von Luhrmann auf dem Höhepunkt seines Handwerks und auf dem Höhepunkt seiner „Roten Vorhang-Trilogie“. Luhrmanns unglaublich anachronistisches Bemühen, das von Produktionsdesign bis hin zu aufwendigen Kostümen im Übermaß schwelgt, verwandelt den Zynismus des „MTV-Schnitts“ in eine Kunstform, indem er versucht, die Zuschauer zu manipulieren, um während der ersten 20 Minuten eine rasende Frustration und Reizüberflutung zu erreichen. In dieser Zeit springt der Film von David Bowie zu Julie Andrews und dann sogar zu Nirvana. Danach streifen die Filmemacher langsam Schicht für Schicht die Dekadenz ab, bis die meisten Zuschauer in eine opernhafte Liebesgeschichte zwischen der Kurtisane Satine (Nicole Kidman) und ihrem mittellosen Schriftsteller Christian (Ewan McGregor) verwickelt sind, während sie von spärlichen Schatten verschlungen werden.

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Ein grandioses Epos, das Melodramen des 19. Jahrhunderts und populäre Filmstile des späten 20. Jahrhunderts, einschließlich Anspielungen auf Bollywood, genüsslich vermischt, ist der Film ein Acid-Trip, bei dem die Filmemacher offensichtlich hoch auf ihren eigenen Vorräten sind. Aber es ist auch für die meisten Zuschauer ansteckend, die die gesteigerte Tragödie oder das meisterhafte Nebeneinander von gehobener „Kunst“ und populistischem Kommerz nicht leugnen können. Kein anderer Film mag ihn wirklich, Rote Mühle! mehr als nur einen Drahtseilakt über der möglichen Katastrophe: Es schlägt Radschläge darüber.

Sweeney Todd: Der Dämonenfriseur der Fleet Street

Die drastischste Neuinterpretation des Broadway der letzten Zeit – oder vielleicht überhaupt – Sweeney Todd s kühne Freiheiten sind auch der Grund, warum es die beste in diesem Jahrhundert ist. Besonders gefeiert vom Komponisten und Texter Stephen Sondheim, der Tim Burtons Verwandlung seines barocken dunklen Komödiendramas in eine rein nihilistische Horrortragödie enthusiastisch billigte, Sweeney Todd ist eine geniale Arbeit, über die Burton jahrzehntelang nachgedacht hat. Wahrscheinlich auch deshalb sein letzter großer Film. Gelehnt an die schreckliche Einbildung eines Musicals, in dem es darum geht, dass ein rachsüchtiger Friseur jeden Einzelgänger ermordet, der seinen Laden betritt, und die Wirtin unten, Mrs. Lovett, sie zu Fleischpasteten backen lässt, die Filmversion von Sweeney Todd ähnelt eher den Universal-Horrorfilmen der 1930er Jahre oder den Val Lewton-Kühlern der 40er Jahre als der traditionellen Bühnenkunst.

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Der Film ist fast bis zu Schwarzweiß entsättigt und wird nur von einer gefräßigen Portion Rot unterbrochen, wenn Sweeney Kehlen aufschneidet. Abgesehen von den purpurroten Schwallen und dem fast durchgehenden Singen gibt es keinen Grund, dass diese Iteration von Sweeney Todd konnte vor 70 Jahren kein Star-Fahrzeug für Boris Karloff oder Peter Lorre gewesen sein. So wird der Film zu einem Highlight für Johnny Depp, der auf dem Höhepunkt seiner Popularität eine introvertierte und minimalistische Performance zeigt, die dennoch Rockstar-Charisma ausstrahlt. Mit einem Blitz weißen Haares als Hommage an Braut von Frankenstein , dies ist die grausamste Kreation, die der Schauspieler oder Burton je gemacht hat, indem er Sweeneys Agentur von Mrs. Lovett zurücknimmt. Unterdessen wird der unternehmerische Schinken der Bühne zu einem unerwiderten Trottel, wie er von Helena Bonham Carter dargestellt wird. Diese Veränderung macht die fatalistische Beziehung zwischen ihr und Mr. Todd so grimmig wie die roten Tränen, die Sweeneys Rasiermesser vergießt – und so seltsam schön wie das gleiche Kunstwerk von Grand Guignol.

Die am meisten gesuchten Muppets/Muppets

Offensichtlich eine Mischung aus Schauspielern und Puppenspielern, das Paar von Muppets Filme, die Disney zwischen 2011 und 2014 produzierte, gehören zu den fröhlichsten Familienunterhaltungen der letzten Zeit. Indem er einen neuen Muppet namens Walter (Peter Linz) kreiert, schafft der Film einen versierten Einstieg in die abgegriffene Mupetting-Welt, wobei ein Außenstehender die Band wieder zusammenbringt, als er und sein menschlicher Bruder Gary (Jason Segal) quer durch das Land reisen müssen um alle Muppet-Favoriten für eine neue TV-Show zu rekrutieren. Der Film ist formelhaft und fantastisch dank des ungebändigten Optimismus des Regisseurs James Bobin und des Schriftstellers Nicholas Stoller sowie zweier Siegerauftritte von Segal und Amy Adams.

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Ich persönlich bevorzuge jedoch die unterschätzte Fortsetzung Muppets am meisten gesucht , denn während Segal und Adams weg sind, dürfen die Muppets die Show leiten. Menschliche Darsteller wie Ty Burrell und Tina Fey übernehmen gegenüber ihren gefühlten Freunden eine viel unterstützendere (und humorvollere) Rolle, auch in Liedern, aber all das wird durch ein noch besseres Liederbuch von Bret McKenzie von noch belebt Flug der Conchords Ruhm. Die Melodien und Stollers trockene Sensibilität leuchten noch stärker durch, wenn sie die Konzepte von Fortsetzungen, Disneys grundlegendem Kommerz und sogar ihr Publikum verspotten. Es ist das Conchords -esque Edge, der beide Filme, insbesondere die Fortsetzung, wirklich singen lässt, selbst in den Szenen, in denen Kermit keinen Zylinder und Schwänze rockt.

Chicago

Der wahrscheinlich glamouröseste Film auf dieser Liste, Chicago war der Toast von Hollywood während seiner Veröffentlichung und gewann sieben seiner 15 Oscar-Nominierungen, darunter Bester Film. Das kommt heute eher unter eine Wolke, da viele dieser Lorbeeren ein Produkt der Harvey-Weinstein-Preiskampagne waren, aber Rob Marshalls Film ist immer noch ein hervorragender Musikfilm für sich. Wie dem anderen Film zugeschrieben wird, das Musical danach für Erwachsene zurückzubringen Rote Mühle! , Chicago ist vor allem ein Produkt dieser mehrdeutigen Zeit für das Genre. Mit fast allen seiner Songs als 'Traumsequenzen' oder Fantasien geht es am Rande der diagetischen Regel dieser Liste, insbesondere weil die eine rein nicht-diagetische Sequenz 'Class' aus dem endgültigen Film herausgeschnitten wurde.

Dennoch ist es ein ebenso reiner Musikfilm wie der von Bob Fosse Kabarett Meisterwerk aus dem Jahr 1972, auch wenn Marshalls Bemühungen ein wenig zu schüchtern sind, es in beide Richtungen zu versuchen. Es enthält fantastische Kander- und Ebb-Musiknummern, die durch Marshalls eigene neue Tanzchoreografie zu einem schillernden und schäbigen Leben erweckt werden, eine immer noch sündhaft genaue Parabel über die Eins und Schande im amerikanischen Leben und ein Produktionsdesign, das bis zu einem blechernen Fehler elegant ist . Auch getragen von einer verdienten Oscar-prämierten Darbietung der Huffinne Catherine Zeta-Jones und einer noch ergreifenderen (und oft übersehenen) erbärmlichen Wendung von John C. Reilly als dem betrogenen Ehemann, an den sich niemand erinnern kann, einschließlich seiner mörderischen Frau, existiert. Chicago ist so glänzend und schick wie die Auszeichnungen, nach denen es gejagt wurde.

Singstraße

Doch wenn wir die Traumsequenzen in Chicago als geeignete musikalische Extravaganzen, das heißt John Carneys Singstraße sollte sich auch aufgrund eines einzigen ähnlichen Moments einschleichen (ja, ich gebe zu, das grenzt an einen Cheat). Eine ansonsten traditionelle Coming-of-Age-Geschichte über ein irisches Kind, das in die Musik der 80er Jahre verliebt ist – von Punkrock bis Glam und Pop – Singstraße will das Rad nicht neu erfinden. Aber es kommt von einem echten emotionalen Ort für Carney, der den utilitaristischen Wunsch darstellt, eine High-School-Band zu gründen (um ein Mädchen zu bekommen) und dann das dämmernde Erwachen zu musikalischer Kreativität, das folgt, besser als vielleicht jeder Filmemacher vor ihm.

Singstraße 's Fokus auf eine sofort sympathische Paarung von Ferdia Walsh-Peelo und Lucy Boynton, und noch treffender eine akribische Nachbildung des Dublin der Arbeiterklasse der 80er Jahre, ist ein klarer Gewinner. Untermalt von Originalsongs, die von neun Talenten geschrieben wurden, darunter Carney selbst, und Singstraße wird mit einem höllisch eingängigen Hook zu einem Wohlfühltummeln in der Vergangenheit.

Verzaubert

Als Film, der der zweiten Disney Renaissance voraus war, die einige Jahre später mit begann Verheddert , Verzaubert ist ein Disney-Film-Musical/Romcom-Hybrid, das mehr Spaß macht, als es wahrscheinlich sein könnte. Dies ist zum großen Teil Amy Adams in ihrer Regel zur Star-Herstellung zu verdanken. Dem Titel gerecht werdend, bietet Adams eine ernsthafte und aufrichtig süße Leistung als 'Disney-Prinzessin', die frei von Selbstbewusstsein oder jeglicher Art von süßlicher Ironie ist, die später viele von Disneys TV-Prinzessin-Projekten wie verderben würde Es war einmal . Verzaubert 's Prämisse, die damit beginnt, dass die animierte zukünftige Prinzessin Giselle (Adams) und ein gutaussehender Prinz (James Marsden) in ein New York aus Fleisch und Blut fliehen, ist eine typische Fisch-aus-Wasser-Komödie, die verdankt Ron Howards mehr als nur wenig Spritzen , wenn auch mit einer viel weniger überzeugenden männlichen Hauptrolle anstelle von Tom Hanks.

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Sogar so, Verzaubert hat aufgrund des natürlichen Charmes von Adams eine liebenswerte Veranlagung sowie Songs, die sich gerne über sich selbst lustig machen, während Adams die Dinge gerade hält. Komponiert von Alan Menken – der Hälfte der Teams hinter der Musik von Die kleine Meerjungfrau, Aladdin, Die Schöne und das Biest , und mehr – die Melodien haben diese Mischung aus Broadway und Disney aus den 1990er Jahren in ihrer DNA, was dazu führt, dass dies eine der am meisten übersehenen, aber betörenden Folgen sowohl im Filmmusical als auch im traditionellen Disney-Kanon ist.

Die letzten fünf Jahre

Vielleicht spaltender als die meisten Filme auf dieser Liste, Ich bin im Lager die insgesamt diese fehlerhafte, aber kluge Adaption des Off-Broadway-Musicals genossen. Eine große Abweichung von der Bühne, da die Charaktere von Cathy (Anna Kendrick) und Jamie (Jeremy Jordan) außer einem Duett in der Show nie wirklich interagieren, macht dieser Film über eine zum Scheitern verurteilte Geschichte zwischen Liebenden das Stück sicherlich zu seinem eigenen. Jordan ist breit gefächert, aber leidenschaftlich in der Rolle eines schnell erfolgreichen Autors, während seine Frau, die er direkt nach dem College heiratete, auf der Suche nach künstlerischer Erfüllung kämpft. Die Lieder von John Robert Brown sind voller ergreifendem Herzschmerz und wehmütiger Melancholie – sowie einem gewissen Grad an Selbstrationalisierung, da die Geschichte teilweise von der eigenen gescheiterten Ehe des Schöpfers inspiriert ist. Aber der Film wird am meisten lebendig, wenn Kendrick in ihren Soli dominiert, sei es in eisigen neuen Texten, die Russell Crowes Leistung verspotten Erbärmlich oder in der verheerenden Eröffnungsnummer, in der sie nach Hause kommt und feststellt, dass ihr Mann sie feige per Note verlassen hat, wurde Kendricks Musikalität noch nie besser auf der Leinwand genutzt.

Traummädchen

Nachdem Bill Condon die Adaption eines der größten Musical-Hits seines Jahrzehnts geschrieben hatte, beschloss er, ihm eine Regiearbeit zu schreiben, die ebenfalls an den Kinokassen und Preisverleihungen stattfand. Hier bewegt sich Condon von Kander und Ebb Chicago zu einer Adaption von Henry Krieger und Tom Eyens R&B-inspiriert und Motown-inspiriert Traummädchen . Der fertige Film markierte Beyoncés und Eddie Murphys bisher größtes Streben nach Oscar-Anerkennung, ist aber jetzt besser in Erinnerung geblieben für Jennifer Hudsons gefühlvolle Ausweidung des Kameraobjektivs und des Publikums gleichermaßen während 'And I Am Telling You I'm Not Going'. Es ist ein zu Recht ikonischer Moment im Musikkino, der Hudson, einen ehemaligen amerikanisches Idol Kandidat, sofortiger Starstatus und eine verdiente Oscar-Statuette. Es ist auch der Höhepunkt eines ansonsten ziemlich guten Filmmusicals.

Lose inspiriert von der Geschichte von Motown-Acts wie den Supremes und James Brown, Traummädchen ist eine bekannte Aufstiegs- und Fallgeschichte, die gerade genug (melo)dramatisiert wurde, um eine noch saftigere Fiktion zu sein, wie man sieht, als Jamie Foxx's Curtis Hudsons Effie aus ihrer Band verbannt, ohne sich der Tatsache bewusst zu sein, dass sie sein Kind trägt, während sie romantisiert die breiter (dh weiß) ansprechende Deena Jones (Beyoncé). Es ist eine Umgebung mit hohen Tönen für viele Songs, die immer noch Stacheln haben, die alle in fast endlosen Montagen präsentiert werden, die vielleicht um die Hälfte zu glänzend sind, aber dennoch einladend bleiben.

In den Wald

Mit dieser Stephen Sondheim-Adaption begann Rob Marshalls erstes von scheinbar zumindest einer Trilogie von Musicals für das Maushaus. Anlässlich der zweiten erfolgreichen Übertragung der Sondheim-Musikalität auf die große Leinwand stieß das Bild auf eine frühe Skepsis, dass Disney die moralische Mehrdeutigkeit seiner Texte herunterspielen würde – und um fair zu sein, In den Wald macht auf einigen der grimmigsten Bits zurück. Aber wenn es immer noch einen wölfischen Johnny Depp zeigt, der nach einem kleinen Mädchen lechzt, ist es fair zu sagen, dass die Adaption einen guten Mittelweg finden konnte.

Dieser Film gehört jedoch wirklich zu Meryl Streep. Nachdem ich zuvor in mehreren großartigen Quasi-Musicals aufgetreten war, wie z Ein Begleiter in der Prärie , und ein lausiger, aber überaus erfolgreicher, unkomplizierter in Mamma Mia! , Streep genoss es sichtlich, die angeblich böse Hexe des Stücks zu spielen. Aber ist es so verrucht, die vielen Protagonisten des Films darauf hinzuweisen, dass sie keine guten Menschen sind, wenn sie nur so tun, als ob sie sich „nett“ benehmen? Mit Musik, die John Walter Bratton und Jimmy Kennedys 'Teddy Bears' Picnic' widerspiegelt, und einer All-Star-Besetzung, die es unterhaltsam aufmischt, In den Wald ist eine aufwendige Produktion mit hübschen Melodien und täuschend nuancierter moralischer Relativität. Es ist auch der Film, der ins öffentliche Bewusstsein brachte, dass Emily Blunt eine großartige Sängerin ist. Dazu später mehr…

Haarspray

Da der Broadway zunehmend sichere Wetten mit musikalischen Adaptionen bereits bekannter Filme und bereits existierender Eigenschaften verfolgt, werden wir wahrscheinlich mehr dieser selbsterfüllenden Leistungen mutierender IPs erleben. Mel Brooks hat auf Kosten des Broadways seine eigene klassische Komödie gedreht. Die Produzenten , in eine großartige Broadway-Show (und dann in ein nicht so großartiges Musical-Film-Remake) und Haarspray folgte dem Muster zu überraschend effektiveren Ergebnissen, als die dritte Phase des Triptychons abgeschlossen war. Eine Adaption der Broadway-Show von Marc Shaiman und Scott Wittman, die wiederum eine Adaption eines nicht-musikalischen Films von John Waters aus dem Jahr 2007 war Haarspray ist eine bemerkenswert effektive Teenie-Komödie mit einigen eingängigen Ohrwürmern.

Der Film spielt im Baltimore der 1960er Jahre und erzählt die Geschichte von Tracy Turnblad (Nikki Blonsky), die Selbstakzeptanz lernt, indem sie unerwarteten Erfolg bei einem lokalen Tanzwettbewerb für Jugendliche findet. Sie wird auch eine unwahrscheinliche Anführerin eines Bürgerrechtskampfes in einer Nebenhandlung der weißen Retter, die unglaublich schlecht gealtert ist.

Dennoch ist der Film wahrscheinlich besser in Erinnerung für John Travoltas campy und einschmeichelnde Wendung als Tracys Mutter Edna. Angesichts der Tatsache, dass er für die tatsächliche Drag-Queen-Legende Divine aus dem Originalfilm einspringt, gab es verständlicherweise einige Augenbrauen über Travoltas Casting in der LGBTQ-Community, aber im Vakuum des Films, ersterem Fett star ist in seinem Element von Käse und Schinken. Er spielt auch gut mit Christopher Walken als Ednas Ehemann. Zusammen mit Michelle Pfeiffer lässt die ältere Generation für die vermeintlichen Stars des Stücks, zu denen auch Zac Efron, Brittany Snow und Amanda Bynes gehören, nur sehr wenig von der Szenerie ungekaut. Aber es ist alles ziemlich strittig, wenn die Songs so unwiderstehlich sind wie „You Can’t Stop the Beat“. Es ist frivol, aber es ist verdammt lustig Frivolität.

Mary Poppins kehrt zurück

Letztendlich weniger eine vollwertige Fortsetzung als ein loses Remake des Klassikers von 1964 mit Julie Andrews in der Hauptrolle, es gibt nicht allzu viel Original an dieser Mary. Aber hey, es hat funktioniert für Das Erwachen der Macht , und hier funktioniert es auch . Das größte Kompliment, das wir machen können, ist, dass Emily Blunt das scheinbar Unmögliche tut und in der Lage ist, mit einer etwas weniger beeindruckenden Stimme, aber einer ebenso entwaffnenden Einstellung in Julie Andrews‘ Schuhe zu schlüpfen. Ihre Mary ist eitel und freundlicher als die von Andrews, und sie macht sich die Leinwand zu eigen, besonders wenn sie gesungen hat – und noch mehr, wenn dieses Lied ein Duett mit Lin-Manuel Mirandas Jack ist. Die beiden sind wie ein Vaudeville-Act auf dem Bildschirm, auch während eines echten Vaudeville-Liedes, und bringen einen Auftrieb mit, der so sprudelt, dass es unmöglich ist, nicht zu grinsen, selbst wenn Ihr Gehirn feststellt, dass Sie all diese Story-Beats schon einmal gesehen haben, und mit viel besseren Songs letztes Mal noch dazu.

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Die Elenden

Das Musical mit einem der schönsten Momente seines Genres, das jemals auf Zelluloid gespielt wurde (leider arme Fantine, wir kannten dich kaum!) und einige der schlechtesten (oh, Javert, wir kennen deinen Gesang zu gut!), Tom Hoopers Adaption von Erbärmlich ist definitiv eine gemischte sache. Hooper hat die wenig beneidenswerte Aufgabe, ein weitläufiges Musiktheater-Epos zu adaptieren, das wiederum auf einem noch weitläufigeren und langatmigeren Victor-Hugo-Roman basiert, und unternimmt eine herkulische Anstrengung, den Kern dieses Textes mit der Erhabenheit eines der reichsten Liederbücher der Welt zu verbinden Geschichte.

Und natürlich schwingt sich die Musik von Claude-Michel Schönberg immer noch in die Höhe, besonders wenn Hoopers gestelzte Kameraführung aus dem Weg gehen kann. Der Film ist daher eine lohnende Investition aufgrund des Schwung dieser Melodien und Hugos eigener schmutziger Geschichte über einen Ex-Häftling namens Jean Valjean (Hugh Jackman), der jahrzehntelang vom Gesetz verfolgt wird, hier verkörpert vom absolutistischen Inspektor Javert (Russell Crowe). . Jackman ist gut als der edle und verfolgte Häftling, der das Licht im unversöhnlichen, postnapoleonischen Frankreich erblickte, und Crowe macht als Javert eine schneidige Figur, wenn er nicht singt… leider ist der Film für ihn fast von allen Seiten gesungen . Das größere Problem besteht jedoch darin, dass Hooper trotz aller Wahrhaftigkeit, die er eindrucksvoll hinzufügt, indem er auf „Live-Singen“ besteht, seine Regie oft die folgenreiche Qualität der Musik und der Emotionen untergräbt, vor allem während einer verdünnten Wiedergabe von „One Day More“. der ansonsten Showstopper der Bühne.

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Aber sein Ass im Loch ist Anne Hathaway als Fantine. Während sich andere lange, ununterbrochene Nahaufnahmen, nun ja, inszeniert anfühlen können, ist Fantines große Solonummer – die geschickt in den tiefsten Moment ihres kurzen Lebens verschoben wurde, nachdem sie ihre Haare, Zähne und schließlich ihren Körper verkauft hat, um Geld für ihr Kind zu finden – eine Tour de Force des seelenzerstörenden Elends und der Niederlage. Hathaway singt live und mit einer Kamera, die praktisch ihren Augapfel berührt, verdient Hathaway ihren Oscar, indem sie jeden halbwegs aufgeschlossenen Zuschauer zu Tränen rührt. Sie erhebt auch einen der vielen ungleichmäßigen Broadway-to-Hollywood-Transfers dieser Ära zu etwas Rohem und Besonderem.

Der größte Schausteller

Ehrlich gesagt bin ich kein Fan dieses Films, da Ich bestätige in meiner Bewertung . Es ist süß, manipulativ und zu abgelenkt, indem es seine Woke-Flagge energisch schwenkt, um einen bedeutsamen Konflikt zu verfolgen. Es gibt jedoch andere auf unserer Website die von seinen Reizen überzeugt sind , und es verdient definitiv Anerkennung, da es ein riesiges Publikum anspricht – im Inland größer als jeder andere Film auf dieser Liste mit 174 Millionen US-Dollar. Das Drehbuch mag damit prahlen, dass es ein Fest der Menschlichkeit ist, aber ich vermute, dass es mit seiner einfachen (aber gut gemeinten) Inklusivität und einigen wirklich glatten Top 40-fähigen Melodien zu tun hat.

Mit Liedern von Benji Pasek und Justin Paul, dem Team dahinter Lieber Evan Hansen , jede Strophe fühlt sich wie eine Hymne von Lady Gaga, Katy Perry oder im gefühlvollsten Stück des Films ('Never Enough'), vielleicht von Adele an. Und um ehrlich zu sein, die Songs sind besser als der Mainstream-Pop, den sie nachahmen, und das gilt auch für Hugh Jackman als Gewinner-MC. Sein natürlicher Charme und seine Ausstrahlung halten eine Geschichte aus Klischee und Pappe zusammen, und die unausweichlich hypnotisierenden Lieder sowie einige spektakuläre Tanzchoreografien haben dies zu einem kulturellen Prüfstein für die nächste Generation gemacht. Es ist nicht so inspiriert oder visionär wie das ähnlich anachronistische Rote Mühle! -und es so sein will – aber es ist ein großer Musical-Hit, der nicht auf einer bereits existierenden Broadway-Show oder einem Katalog beliebter Chartstürmer basiert. Es ist der letzte Beweis dafür, dass das Musical zurück ist, und Sie brauchen keine IP- oder Oscar-Begeisterung, um zu konkurrieren. Das ist einen Hut vom alten Elefanten wert.

Es gibt also die besten Musicals des 21. Jahrhunderts (bisher). Haben wir welche verpasst? Gibt es vielleicht ein paar Phantom-Threads, die wir ignoriert haben, oder gibt es dort oben ungemieteten Speicherplatz? Lass es uns im Kommentarbereich unten wissen!

David Crow ist der Filmsektionsredakteur bei Den of Geek. Außerdem ist er Mitglied der Online Film Critics Society. Lesen Sie hier mehr über seine Arbeit . Du kannst ihm auf Twitter folgen @DCrowsNest .

Autor

Rick Morton Patel ist ein 34-jähriger lokaler Aktivist, der gerne Box-Sets beobachtet, spazieren geht und Theater spielt. Er ist klug und aufgeweckt, kann aber auch sehr instabil und etwas ungeduldig sein.

Er ist Franzose. Er hat einen Abschluss in Philosophie, Politik und Wirtschaft.

Körperlich ist Rick in ziemlich guter Verfassung.